De nombreux facteurs doivent être pris en compte si vous souhaitez réussir à créer des rythmes professionnels et conformes aux normes de l’industrie dans FL Studio. Dans cet article, je vais aborder les facteurs clés que vous devrez maîtriser et c’est ce qui distingue les pros des amateurs lors de la production de rythmes hot-rap.

Où commencer

Certaines personnes ont une préférence quant à l’instrument qu’elles souhaitent mettre en page pour la première fois lors de la production de temps dans FL Studio. Certains préfèrent la mélodie, certains préfèrent la ligne de basse et certains préfèrent la batterie. Aucune réponse à cette question n’est ni bonne ni juste, et c’est surtout une question d’opinion, mais pour commencer, je recommanderai tout d’abord d’établir un bon motif de batterie.

Avant de commencer, réglez votre BPM (battement par minute) entre 85 et 95.

Création du motif de batterie

Commencez par rechercher dans vos sons un échantillon de kick agréable et percutant. Dans l’exemple que nous allons créer, essayez de trouver un son de kick qui frappe fort mais ne contient pas beaucoup de basses graves (cela facilitera le mixage ultérieur avec les basses). . Une fois que vous avez trouvé un bon son de frappe de batterie, indiquez les étapes du séquenceur pas à pas de l’endroit où vous souhaitez que le coup de pied soit entendu. Maintenant, faites un clic droit sur le son dans le séquenceur pas à pas et sélectionnez « Envoyer au rouleau de piano ». Cela mettra votre motif de grosse caisse dans le piano où vous voulez ajuster votre vélocité. La vélocité est ce qui donne au son une sensation humaine et pas si robotique. Techniquement, la vélocité consiste à ajuster la force d’une frappe, d’une touche de piano, etc. jusqu’à ce que votre motif de frappe de batterie commence à sonner plus humain et naturel.

Ensuite, recherchez un son de charleston que vous aimez et cliquez à nouveau sur les étapes à suivre pour que le charleston soit. Généralement, chaque note sur le séquenceur pas à pas est un bon point de départ. Maintenant, faites la même chose que vous avez fait avec le son de kick et envoyez le canal au piano roll et ajustez la vélocité. C’est encore plus important sur le charleston qu’avec le coup de pied.

Maintenant, pour la caisse claire. J’aime généralement superposer quelques couches pour obtenir le son parfait. J’aime généralement les sons serrés et percutants. Je peux donc mélanger un son sourd avec une frappe circulaire, puis prendre 2 frappes de caisse claire traditionnelles différentes et abaisser un peu le niveau sur celles-ci, puis un panoramique à droite et à droite. la gauche à environ 35%. Pour commencer, vous aurez envie de mettre votre caisse claire sur chaque étape 4 du séquenceur pas à pas.

Vous pouvez maintenant ajouter une touche plus personnelle si vous souhaitez utiliser les mêmes techniques que celles déjà mentionnées. N’hésitez pas à jeter une cloche, un tambourin, une cymbale, etc.

Création de la ligne de basse

Dans la plupart des hip-hop, on utilise un son grave de basse fréquence, donc tout ce qu’il procure, c’est de la puissance, des sons percutants et éventuellement une mélodie entraînante qui aide à « coller » les sons de batterie avec le reste des instruments. Choisissez un son grave qui donnera un bon grondement lorsqu’on le touchera, et s’il y a trop de fréquences aiguës dans le son, vous pouvez toujours le couper avec un filtre passe-bas ou un égaliseur approprié. J’aime habituellement régler la fréquence des basses à 50-75hz et le coup de pied entre 85 et 90hz. Vous pouvez également le faire en sens inverse (le coup a une fréquence plus basse que la basse). La chose la plus importante est qu’ils n’occupent pas tous les deux le même espace de fréquences. C’est là que la plupart des lutteurs amateurs luttent. Cela peut prendre beaucoup de pratique de mélanger le coup de tambour et la ligne de basse afin qu’ils ne sonnent pas de manière étrange ou ne causent pas de distorsion lorsqu’ils sont superposés. Ce sera probablement la dernière chose que vous maîtriserez lorsque vous apprendrez à créer des rythmes, car un ajustement précis de l’égaliseur et une compression sont nécessaires pour obtenir un son net et professionnel.

Lorsque vous écrivez la mélodie de basse, commencez simplement. Choisissez une échelle de note que vous souhaitez utiliser et restez dans cette échelle. Si vous ne connaissez pas la théorie musicale, commencez par rechercher des gammes et choisissez-en une au hasard. Ensuite, placez un son vierge (utilisez un canal de l’échantillonneur ou réglez simplement le volume du son) dans votre séquenceur pas à pas en boucles fruitées. Faites un clic droit dessus et ouvrez le rouleau de piano. Remplissez toutes les notes de cette échelle, à chaque octave, et faites glisser leur bord afin qu’elles apparaissent pendant toute la durée du motif complet. Maintenant, ouvrez le rouleau de piano pour votre basse et cliquez sur la petite icône de piano dans le coin supérieur gauche de la fenêtre. Sélectionnez Affichage> Canaux Ghost. Désormais, chaque note de la gamme sera surlignée en gris et vous saurez rester dans ces notes pendant que vous écrivez votre mélodie. C’est un conseil que vous ne voulez vraiment pas ignorer car il peut vous aider beaucoup!

Écrire la mélodie principale

Tout d’abord, choisissez votre instrument. Choisissons quelque chose de simple, comme un piano. Ecrire une mélodie qui va avec la ligne de basse. Parfois, vous pouvez copier votre même ligne de basse mais ajouter ensuite d’autres notes (rappelez-vous que j’ai dit de garder votre ligne de basse simple). Si vous avez étudié la théorie musicale, vous devriez utiliser des accords ici et là et utiliser un type de progression d’accords. N’oubliez pas de rester dans la balance et de toujours regarder les chaînes Ghost pour vous assurer que vous y êtes dans la balance. Si vous voulez rester simple, vous pouvez simplement jouer du piano pour la mélodie, mais n’hésitez pas à choisir quelques instruments complémentaires et à ajouter des accents ici et là. Parfois, j’aime utiliser quelque chose comme un violon pour souligner certaines notes ou phrases de la mélodie.

Écrire le crochet

Le crochet est l’endroit où vous pouvez vraiment vous déchaîner car c’est la partie la plus apaisante de la chanson. Bien sûr, vous voulez rester à la bonne échelle, mais vous pouvez ajouter beaucoup de cordes et d’autres instruments. Vous devriez soit développer la mélodie de verset normale et la rendre plus complexe, soit écrire une mélodie totalement nouvelle à la même échelle. N’oubliez pas d’essayer de l’imaginer avec des voix au-dessus et d’essayer d’ajouter des éléments qui complèteront un produit / morceau fini.

Traduit d’un article de Ryan Jobe

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